Podcast Sejarah

Siapa seniman di balik lukisan populer ini?

Siapa seniman di balik lukisan populer ini?


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Wikipedia mengatakan itu adalah kartu pos Jerman bertanggal 1900. Tetapi tidak mengatakan apa-apa tentang artisnya.

Adakah yang tahu tentang artis di balik karya ini?


Penulis tidak diketahui apakah file wikimedia commons dapat digunakan, tetapi menggali sedikit lebih dalam menggunakan pencarian gambar Google tampaknya mengaitkan yang asli dengan pelukis bernama Lindberg, dengan H Zabatari/Hans Zatzka, dan mungkin yang lain.

Berhati-hatilah bahwa sumber mungkin mencerminkan desas-desus dengan sangat baik tanpa memeriksa atau, seperti jawaban ini, googling. Yang sedang berkata, H Zabatari/Hans Zatzka sepertinya taruhan yang lebih baik berdasarkan sumber yang terlihat sedikit lebih kredibel dan diteliti lebih baik ini (halaman lelang untuk yang asli):

The Guardian (c. 1918) dilukis oleh H. Zabateri sebagai kartu pos (Austria?). Kartu pos asli dengan nama artis (kredit) dapat dibeli dari kolektor. Beberapa cetakan lukisan ini telah dikaitkan dengan "Lindberg". Lindberg menyalin lukisan asli dan menggunakan warna yang lebih cerah, perubahan detail, dan gambar yang lebih sederhana.


Kisah Dibalik Banksy

Kapan Waktu majalah memilih seniman Inggris, master grafiti Banksy—, pelukis, aktivis, pembuat film, dan serba guna provokator—untuk daftar 100 orang paling berpengaruh di dunia pada tahun 2010, ia menemukan dirinya di perusahaan Barack Obama, Steve Jobs dan Lady Gaga. Dia memberikan foto dirinya dengan kantong kertas (dapat didaur ulang, secara alami) di atas kepalanya. Sebagian besar penggemarnya tidak benar-benar ingin tahu siapa dia (dan dengan keras memprotes upaya Fleet Street untuk membuka kedoknya). Tetapi mereka ingin mengikuti jejaknya yang menanjak dari penyemprotan penjahat atau, seperti yang dikatakan oleh argot, “bom”—dinding di Bristol, Inggris, selama tahun 1990-an kepada seniman yang karyanya menghasilkan ratusan ribu dolar di rumah lelang Inggris dan Amerika. Hari ini, dia telah mengebom kota-kota dari Wina ke San Francisco, Barcelona ke Paris dan Detroit. Dan dia telah beralih dari grafiti di dinding perkotaan yang berpasir menjadi melukis di atas kanvas, patung konseptual, dan bahkan film, dengan dokumenter yang menipu Keluar Melalui Toko Hadiah, yang dinominasikan untuk Academy Award.

Buku Terkait

Banksy.: Anda Adalah Tingkat Ancaman yang Dapat Diterima

Banksy: Pria Di Balik Tembok

Konten Terkait

Pest Control, organisasi berjudul lidah-di-pipi yang didirikan oleh seniman untuk mengotentikasi karya seni Banksy yang sebenarnya, juga melindunginya dari mencongkel orang luar. Bersembunyi di balik kantong kertas, atau, lebih umum, e-mail, Banksy tanpa henti mengendalikan narasinya sendiri. Wawancara tatap muka terakhirnya terjadi pada tahun 2003.

Meskipun ia mungkin berlindung di balik identitas tersembunyi, ia menganjurkan hubungan langsung antara seorang seniman dan konstituennya. “Ada audiens yang sama sekali baru di luar sana, dan menjual [seni satu’s] tidak pernah semudah ini,” Banksy mempertahankan. “Anda tidak perlu pergi ke perguruan tinggi, menyeret ’ke sekeliling portofolio, mengirimkan transparansi ke galeri angkuh atau tidur dengan seseorang yang berpengaruh, yang Anda butuhkan sekarang hanyalah beberapa ide dan koneksi broadband. Ini adalah pertama kalinya dunia seni borjuis yang hakiki menjadi milik rakyat. Kita harus menghitungnya.”

Distrik Barton Hill di Bristol pada 1980-an adalah bagian kota yang menakutkan. Sangat putih—mungkin tidak lebih dari tiga keluarga kulit hitam entah bagaimana berakhir di sana—kelas pekerja, kumuh dan tidak ramah kepada orang asing. Jadi, ketika Banksy, yang berasal dari bagian kota yang jauh lebih rimbun, memutuskan untuk melakukan perampokan pertamanya di sana, dia gugup. “Ayah saya dipukuli habis-habisan di sana sebagai seorang anak,” katanya kepada sesama seniman grafiti dan penulis Felix Braun. Dia sedang mencoba nama pada saat itu, kadang-kadang mengontrak dirinya sendiri Robin Banx, meskipun ini segera berkembang menjadi Banksy. Moniker yang dipersingkat mungkin menunjukkan lebih sedikit cap gangster ’ “merampok bank”, tetapi lebih mudah diingat—dan lebih mudah untuk ditulis di dinding.

Sekitar waktu ini, ia juga menetapkan pendekatan stensilnya yang khas pada grafiti. Ketika dia berusia 18 tahun, dia pernah menulis, dia sedang melukis kereta api dengan sekelompok teman ketika Polisi Transportasi Inggris muncul dan semua orang berlari. “Rekan-rekan saya yang lain berhasil mencapai mobil,” Banksy mengingat, “dan menghilang, jadi saya menghabiskan lebih dari satu jam bersembunyi di bawah truk dumper dengan oli mesin bocor di sekujur tubuh saya. Ketika saya berbaring di sana mendengarkan polisi di rel, saya menyadari bahwa saya harus memotong waktu melukis saya menjadi dua atau menyerah sama sekali. Saya sedang menatap lurus ke atas ke pelat stensil di bagian bawah tangki bahan bakar ketika saya menyadari bahwa saya hanya dapat menyalin gaya itu dan membuat setiap huruf setinggi tiga kaki.” Tetapi dia juga memberi tahu temannya, penulis Tristan Manco: “As segera setelah saya memotong stensil pertama saya, saya bisa merasakan kekuatan di sana. Saya juga menyukai sisi politik. Semua grafiti adalah perbedaan pendapat tingkat rendah, tetapi stensil memiliki sejarah tambahan. Mereka telah digunakan untuk memulai revolusi dan menghentikan perang.”


Karya Agung yang Terlupakan Itu Langka

Pertama-tama, untuk menjadi sangat jelas, menemukan mahakarya yang terlupakan sangat jarang. Anda akan mendengar cerita tentang karya Salvador Dali, Vincent Van Gogh, atau Alexander Calder yang ditemukan di toko barang bekas. Jika Anda seorang penggemar "Antiques Roadshow" PBS, Anda tahu bahwa beberapa harta keluarga yang terlupakan bisa bernilai uang tunai yang mengejutkan. Ini bukan norma.

Itu bukan untuk mengatakan bahwa Anda tidak harus mengawasi permata tersembunyi itu. Sangat menyenangkan untuk menjelajahi penawaran dan melihat apakah Anda dapat menemukannya, tetapi jangan berharap setiap lukisan berdebu itu berharga.


Gadis dengan Anting Mutiara

Johannes Vermeer, “Gadis dengan Anting Mutiara,” ca. 1665 (Foto: Mauritshuits melalui Wiki Art Public Domain)

Pada tahun 1665, seniman Belanda Johannes Vermeer menciptakan karya seninya yang paling terkenal: Gadis dengan Anting Mutiara. Beberapa sejarawan seni mempertanyakan identitas sebenarnya dari wanita muda yang digambarkan dalam lukisan itu. Salah satu teori yang paling umum adalah bahwa wanita yang dimaksud adalah Maria Vermeer, putri sulung pelukis. Namun, masih ada beberapa sarjana yang meragukan hal ini, dan meskipun lukisan cat minyak ini sering dianggap sebagai salah satu potret paling signifikan, secara teknis lukisan itu sama sekali bukan potret.

Gadis dengan Anting Mutiara sebenarnya adalah tronie&mdasha mempelajari orang tak dikenal. Troni sangat populer selama Zaman Keemasan Belanda, ketika seniman seperti Vermeer dan Rembrandt mulai mengadopsi subjek yang tidak disebutkan namanya untuk “potret mereka.” Seringkali, tokoh-tokoh ini mengenakan pakaian mewah dan berlatar belakang polos, yang menekankan sifat anonim mereka. .

Gadis dengan Anting Mutiara adalah contoh utama dari tradisi ini, karena menggambarkan seorang gadis tak dikenal yang mengenakan pakaian mewah. “Seperti penglihatan yang memancar dari kegelapan, dia tidak memiliki waktu atau tempat tertentu,” sejarawan seni Arthur K. Wheelock dan Ben Broos menyatakan dalam katalog pameran. “Turbannya yang eksotis, membungkus kepalanya dengan warna biru kristal, ditutupi oleh kain kuning mencolok yang jatuh secara dramatis di belakang bahunya, memberikan kesan misteri pada gambar tersebut.”

Tronies oleh Rembrandt di Metropolitan Museum of Art


Pelukis lain telah melukis potret orang-orang yang mereka cintai dan hilang. Pelukis Belanda Rembrandt van Rijn (1606-1669) adalah salah satu yang mengalami banyak kerugian. Menurut Ginger Levit dalam "Rembrandt: Painter of Grief and Joy,"

Itu adalah saat-saat terbaik di Belanda abad ke-17—dikenal sebagai Zaman Keemasan Belanda. Perekonomian berkembang pesat dan para pedagang kaya membangun rumah-rumah townhouse di sepanjang kanal Amsterdam, memasang perabotan dan lukisan mewah. Tetapi bagi Rembrandt van Rijn (1606-1669), itu menjadi masa yang paling buruk—istri mudanya yang cantik, tercinta, Saskia meninggal pada usia 30 tahun, begitu juga dengan ketiga bayi mereka. Hanya putranya, Titus, yang kemudian menjadi dealernya, yang selamat.

Setelah itu, Rembrandt terus kehilangan orang yang dicintainya. Wabah tahun 1663 merenggut nyonya tercintanya, dan kemudian Titus juga terjangkit wabah pada usia muda 27 tahun pada tahun 1668. Rembrandt, sendiri, meninggal hanya setahun kemudian. Selama masa kelam dalam hidupnya ini, Rembrandt terus melukis apa yang paling pribadi baginya, tidak sesuai dengan harapan hari itu, menyalurkan penderitaan dan kesedihannya ke dalam lukisan yang kuat dan menggugah.

Menurut Neil Strauss dalam artikelnya di New York Times "The Expression of Grief and the Power of Art,"

Dalam seni Rembrandt, kesedihan adalah emosi sekuler dan spiritual. Dalam lusinan potret diri yang ia lukis selama hampir setengah abad, kesedihan berkembang seperti rasa sakit karena air mata yang tertahan. Bagi pria ini, yang kehilangan orang yang paling dia cintai, berkabung bukanlah suatu peristiwa, melainkan keadaan pikiran, selalu ada, bergerak maju, mundur, selalu tumbuh, seperti bayang-bayang yang bergerak melintasi wajah artis yang menua.

Dia melanjutkan dengan mengatakan bahwa selama berabad-abad seni Barat telah menggambarkan emosi kesedihan manusia, mulai dari lukisan vas Yunani Klasik hingga lukisan agama Kristen, "yang memiliki tragedi pada intinya."


&aposGolden Rule,&apos 1961

"Golden Rule," 1961. Minyak di atas kanvas, 44 ½" x 39 ½". Ilustrasi sampul untuk "The Saturday Evening Post," 1 April 1961. 

Foto: Koleksi Museum Norman Rockwell. ©SEPS: Penerbitan Curtis, Indianapolis, IN

Pada tahun 1960-an, suasana di Amerika sedang berubah. Setelah dilarang menampilkan minoritas di sampul Pos, lukisan Norman Rockwell 1961, peraturan Emas menampilkan kumpulan pria, wanita, dan anak-anak dari berbagai ras, agama, dan etnis, dengan frasa sederhana namun universal: “Lakukan Kepada Orang Lain Seperti yang Anda Inginkan Mereka Lakukan Pada Anda.” Pada tahun 1985, ikon Rockwell’s ilustrasi ditata ulang sebagai mosaik raksasa, dan diberikan kepada Perserikatan Bangsa-Bangsa atas nama Amerika Serikat oleh Ibu Negara Nancy Reagan—itu tetap dipajang, sejak saat itu, di Markas Besar PBB di New York City. 

Secara kebetulan, peraturan Emas memulai hidup sebagai gambar yang terinspirasi oleh misi kemanusiaan PBB. Dibuat pada tahun 1952 dan dieksekusi pada tahun 1953, ilustrasi asli menampilkan 65 orang yang mewakili negara-negara di dunia, mengelilingi anggota kunci Dewan Keamanan PBB (USSR, Inggris, dan AS). Idenya adalah untuk mengungkapkan harapan pada organisasi penjaga perdamaian yang baru, dan Rockwell melakukan penelitian ekstensif, termasuk memotret para diplomat dan model dalam foto. Setelah menyelesaikan gambarnya, sang seniman kehilangan kepercayaan dan meninggalkan proyek tersebut, merasa bahwa dia berada di luar kedalamannya. Setelah pindah ke Stockbridge, Massachusetts, Rockwell meninjau kembali gagasan itu satu dekade kemudian, menyingkirkan para diplomat dan memusatkan perhatian pada gagasan kemanusiaan bersama, untuk membuat salah satu potretnya yang paling bertahan lama.


Grafik televisi, hip-hop, dan video game semuanya menginspirasinya

Dengan reputasinya yang sudah meroket, pameran tunggal pertamanya di Amerika, di Galeri Annina Nosei New York pada musim semi berikutnya, terjual habis pada malam pembukaannya – menghasilkan Basquiat $250.000. Selama tahun penting yang sama tahun 1982, Basquiat mengeksekusi Dustheads, yang dijual di lelang pada tahun 2013 dengan rekor $ 48,8 juta.

Debut Basquiat mencetak rekor ketika dijual di lelang pada tahun 2013 seharga $48,8 juta (Kredit: EPA/Alamy)

Dalam bulan-bulan dan tahun-tahun setelah debutnya di Amerika, Basquiat terbukti luar biasa produktif, membangun sebuah karya sekitar 1.000 lukisan serta lebih dari 2.000 gambar – semuanya ditampilkan dalam gayanya yang sangat energik, garang namun kekanak-kanakan. Referensi ke budaya populer dan jalan berlimpah dalam karyanya. Televisi, hip hop, dan grafis dasar dari video game arcade awal semuanya menginspirasinya, dan lukisannya berisi stickmen serta berbagai simbol seperti mahkota yang ada di mana-mana, yang berfungsi seperti tag penulis grafiti.


Kapan Neo-Impresionisme Dimulai?

Seniman Prancis Georges Seurat memperkenalkan Neo-Impresionisme. Lukisannya tahun 1883 Pemandian di Asnieres fitur gaya. Seurat mempelajari publikasi teori warna yang dihasilkan oleh Charles Blanc, Michel Eugène Chevreul dan Ogden Rood. Dia juga memformulasikan aplikasi yang tepat dari titik-titik yang dicat yang akan bercampur secara optik untuk kecemerlangan maksimum. Dia menyebut sistem ini Chromoluminarism.

Kritikus seni Belgia Félix Fénéon menggambarkan aplikasi sistematis cat Seurat dalam ulasannya tentang Pameran Impresionis Kedelapan di La Vogue pada bulan Juni 1886. Dia memperluas isi artikel ini dalam bukunya Les Impressionistes pada tahun 1886, dan dari buku kecil itu kata-katanya neo-impresionisme lepas landas sebagai nama untuk Seurat dan para pengikutnya.


Kisah Dibalik Lukisan -Washington Crossing the Delaware

Di Museum Seni Metropolitan di New York City, lukisan itu Washington Menyeberangi Delaware digantung di Galeri 760. Ini adalah lukisan minyak di atas kanvas yang terkenal tentang penyeberangan George Washington di Sungai Delaware pada malam Natal tahun 1776 untuk menyerang orang Hessians di Trenton, New Jersey selama Revolusi Amerika. Tidak hanya menggambarkan masa depan Presiden pertama Amerika, tetapi juga menampilkan Presiden kelima masa depan, James Monroe.

Salah satu lukisan paling terkenal dari Revolusi Amerika, dilukis di Düsseldorf pada tahun 1851 oleh Emanuel Gottlieb Leutze, seorang Jerman yang dibesarkan di Amerika Serikat tetapi kembali ke Jerman sebagai orang dewasa. Lahir 40 tahun setelah Pertempuran Trenton, Leutze berharap semangat Revolusi akan memotivasi kaum Revolusioner liberal Eropa pada tahun 1848. Namun, dia melakukan beberapa kesalahan.

Washington Crossing the Delaware oleh Emanuel Leutze, di Metropolitan Museum of Art, New York, NY. Foto oleh Adavyd CC BY SA 3.0

Di Purdue Today, David Parrish, seorang profesor sejarah seni, mengatakan bahwa bendera yang dipegang oleh Monroe tidak ada sampai sekitar satu tahun setelah pertempuran. Perahu dalam lukisan itu adalah tipe yang salah, dan Washington seharusnya dilukis sebagai pria yang lebih muda. Juga, meskipun dia terlihat sangat mulia, Washington cukup tahu untuk tidak berdiri di atas perahu dayung. Kami hanya akan menyerahkan yang satu itu ke lisensi puitis.

Banyak sejarawan tidak percaya Monroe menyeberangi Delaware dengan Washington, tetapi dia pasti bertempur di Trenton dan mendapatkan peluru di bahunya yang tersisa selama sisa hidupnya.

Potret Gedung Putih James Monroe, 1819

Penghuni perahu lainnya mewakili berbagai lapisan masyarakat koloni Amerika termasuk penjerat bulu Kanada Prancis, Afrika, Skotlandia, petani, dan tokoh dari bagian barat negara itu. Beberapa orang percaya bahwa sosok berjas merah dan syal hitam mungkin mewakili para wanita yang berjuang dan mati demi kebebasan.

Situs web Museum Seni Metropolitan memberi tahu kita bahwa Leutze memulai lukisan itu pada tahun 1849 tetapi rusak oleh kebakaran pada tahun 1850. Sang seniman memperbaiki kerusakan itu dan lukisan itu diakuisisi oleh Bremen Kunsthalle, sebuah museum seni di Bremen, Jerman. Lukisan itu hancur pada tahun 1942 selama serangan bom Perang Dunia II oleh pasukan Inggris.

Washington Crossing the Delaware (1849–1850), lukisan asli karya Emanuel Leutze

Untungnya, Leutze telah membuat salinan lukisan itu tak lama setelah lukisan pertama, dan David Parrish melaporkan bahwa lukisan itu dikirim ke New York City pada musim gugur tahun 1851, di mana ribuan orang berbondong-bondong untuk memajangnya di galeri New York dan di US Capitol Rotunda. di Washington DC. Lukisan itu sekarang dipamerkan secara permanen di Metropolitan Museum of Art di New York City.

Salinan resmi lainnya ditampilkan di Universitas Perdue, di Taman Bersejarah Washington Crossing, dan di Gedung Putih. Persimpangan Delaware juga ditangkap dalam lukisan lain oleh seniman termasuk George Caleb Bingham, seorang seniman perbatasan Amerika yang bekerja pada pertengahan 1800-an dan merupakan teman dari Leutze Thomas Sully, seorang seniman Amerika yang lahir di Inggris yang bekerja pada awal 1800-an, dan Currier dan Ives, yang membuat litograf adegan yang dilukis oleh Leutze. Lukisan Leutze juga digambarkan di kawasan negara bagian New Jersey.

Washington Crossing the Delaware oleh Emanuel Leutze (dipotong), MMA-NYC

Seperti biasa, parodi bermunculan. Satu parodi menunjukkan lukisan Leutze dibuat ulang tetapi semua gambar memiliki kepala ayam sementara yang lain menampilkan Washington dan rekan sekapalnya berlayar dengan hot dog. Ada yang lain dengan Homer Simpson menggantikan George Washington dan Muppets menggantikan semua pria.

Emanuel Leutze, seorang pelukis Jerman-Amerika.

Selain parodi, Washington Menyeberangi Delaware adalah lukisan menakjubkan yang dilihat oleh ribuan orang setiap tahun. Lukisan itu juga dibuat ulang untuk patung batu kapur di tempat Washington mendarat di New Jersey, Taman Bersejarah Washington Crossing seluas 500 hektar. Frank Arena, seorang pensiunan pekerja batu kapur, mengukir patung itu, dan para pekerja memasukkan masing-masing sosok yang diukir ke dalam perahu.

Menurut Washington Crossing Historic Park, seorang pekerja juga memasang bendera kecil Amerika, sebuah perempatan Negara Bagian New Jersey, dan sebuah catatan yang mencantumkan nama-nama pekerja yang membantu menyatukan patung itu di bawah salah satu gambar.


Lihatlah lukisan karya Peeters dan Anda tidak diingatkan akan kematian – Anda diingatkan bahwa Anda lapar

Mengabaikan idealisme tinggi Rubens, yang mendominasi dunia seni Antwerpen, Peeters malah memilih melukis dengan gaya realis baru yang secara bertahap mulai berpengaruh di seluruh Eropa. “Dan jika Anda melukis dalam mode realistis di Antwerpen, Anda benar-benar menjadi sangat berbeda dengan orang lain yang bekerja di sana,” kata Vergara. Sementara lukisan benda mati sebelumnya sebagian besar bersifat alegoris, karya Peeters dicirikan oleh bentuk dan tekstur yang presisi di mana wadah bercahaya dan bahan makanan kontras secara elegan dengan latar belakang gelap tanpa hiasan. Lihatlah lukisannya dan Anda tidak diingatkan tentang kefanaan, Anda diingatkan bahwa Anda lapar.

Subjek Vanitas ini dari sekitar tahun 1610 dianggap Peeters sendiri, menjadikannya potret diri (Kredit: Prado)

“Kami tahu bahwa kolektor terkemuka saat itu memiliki lukisan olehnya,” kata Vergara. Tapi di luar itu rincian hidupnya tetap menjadi misteri. Kita mungkin bisa mendapatkan beberapa petunjuk tentang kepribadiannya dari banyak potret diri miniatur yang tercermin dalam cangkir emas dan piala lukisannya. Ini adalah inovasi lain yang sebelumnya tidak pernah dipikirkan oleh pelukis still life untuk menggambarkan diri mereka dengan cara ini. Vergara melihatnya sebagai pernyataan yang bijaksana tetapi tegas tentang kelayakannya, tidak hanya sebagai seorang pelukis, tetapi juga seorang pelukis wanita. "Bagaimana mungkin Anda tidak membaca bahwa keinginan tertentu untuk diakui?" Mungkin sekarang, dia akan begitu.

Potret seorang wanita

Tidak seperti Peeters, kehidupan Louise Elisabeth Vigée Le Brun didokumentasikan dengan baik. Dia adalah pelukis potret paling sukses dan mahal pada abad ke-18, namun ketika retrospektif karyanya dibuka di Grand Palais Paris pada 2015, hanya sedikit akademisi luar yang mendengar namanya.

Seorang seniman berbakat dewasa sebelum waktunya yang dikenal karena kecerdasan dan kecantikannya, Le Brun telah mendirikan sebuah studio potret saat masih remaja. Pada usia 23 dia melukis potret Marie Antoinette yang pertama, yang intervensi langsungnya akhirnya memungkinkan dia untuk memasuki Académie Royale, dari mana dia sebelumnya telah dikeluarkan karena pernikahannya dengan Charles Le Brun, seorang pedagang seni. Terkenal karena perawatan warna, kain, dan teksturnya yang luar biasa, dia juga dapat, "menangkap kemiripan yang tidak dimiliki siapa pun," kata kurator pameran Paris, Joseph Baillio.

Hak atas foto Wikipedia.

Keberhasilan seperti itu pasti menimbulkan kecemburuan di antara rekan-rekan prianya. “Pasti menyakitkan melihat seorang wanita mendapat lebih banyak uang daripada yang mereka dapatkan,” kata Baillio. Ketika dia memamerkan potret Comte de Calonne yang spektakuler di salon tahun 1785, ada desas-desus bahwa lukisan itu pasti dilukis oleh seorang pria. Koneksi kerajaannya memaksanya untuk melarikan diri dari Prancis selama revolusi dan dia menghabiskan 12 tahun berikutnya untuk melukis keagungan dan kebaikan Eropa, termasuk mantra enam tahun di istana Catherine the Great di St Petersburg, sebelum kembali ke Prancis untuk tinggal. dalam kemegahan yang luar biasa hingga usia 86 tahun.


Frida Kahlo&aposs Pernikahan dengan Diego Rivera

Pada tahun 1929, Kahlo dan muralis Meksiko terkenal Diego Rivera menikah. Kahlo dan Rivera pertama kali bertemu pada tahun 1922 ketika dia pergi untuk mengerjakan sebuah proyek di sekolah menengahnya. Kahlo sering menyaksikan Rivera membuat mural berjudul Penciptaan di ruang kuliah sekolah. Menurut beberapa laporan, dia memberi tahu seorang teman bahwa suatu hari nanti dia akan memiliki bayi Rivera.

Kahlo berhubungan kembali dengan Rivera pada tahun 1928. Dia mendorong karya seninya, dan keduanya memulai hubungan. Selama tahun-tahun awal mereka bersama, Kahlo sering mengikuti Rivera berdasarkan komisi yang diterima Rivera. Pada tahun 1930, mereka tinggal di San Francisco, California. Mereka kemudian pergi ke New York City untuk pertunjukan Rivera di Museum of Modern Art dan kemudian pindah ke Detroit untuk komisi Rivera dengan Institut Seni Detroit.

Waktu Kahlo dan Rivera di New York City pada tahun 1933 dikelilingi oleh kontroversi. Ditugaskan oleh Nelson Rockefeller, Rivera membuat mural berjudul Pria di Persimpangan di Gedung RCA di Rockefeller Center. Rockefeller menghentikan pengerjaan proyek tersebut setelah Rivera memasukkan potret pemimpin komunis Vladimir Lenin di mural, yang kemudian dilukis. Beberapa bulan setelah kejadian ini, pasangan itu kembali ke Meksiko dan pergi untuk tinggal di San Angel, Meksiko.

Tidak pernah menjadi persatuan tradisional, Kahlo dan Rivera tetap terpisah, tetapi rumah dan studio yang berdampingan di San Angel. Dia sedih dengan banyak perselingkuhannya, termasuk perselingkuhan dengan saudara perempuannya Cristina. Menanggapi pengkhianatan keluarga ini, Kahlo memotong sebagian besar rambut hitam panjangnya yang menjadi ciri khasnya. Karena putus asa ingin memiliki anak, ia kembali mengalami patah hati ketika mengalami keguguran pada tahun 1934.

Kahlo dan Rivera melewati masa-masa perpisahan, tetapi mereka bergabung bersama untuk membantu komunis Soviet yang diasingkan Leon Trotsky dan istrinya Natalia pada tahun 1937. Keluarga Trotsky datang untuk tinggal bersama mereka di Blue House (rumah masa kecil Kahlo) untuk sementara waktu pada tahun 1937 sebagai Trotsky telah menerima suaka di Meksiko. Pernah menjadi saingan pemimpin Soviet Joseph Stalin, Trotsky takut dia akan dibunuh oleh musuh bebuyutannya. Kahlo dan Trotsky dilaporkan memiliki hubungan asmara singkat selama ini.


Tonton videonya: Sekilas Terlihat Nyata! Pelukis Jalanan Skill Dewa yang Akan Bikin Kamu Tercengang Ngeliatnya (Mungkin 2022).